Reflexión sobre seminario Arte y Oficio

Entre marzo y mayo de 2008, en la Escuela de Arquitectura y Diseño de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, José Balcells realizó un seminario respecto a la relación entre Arte y Diseño Gráfico.

Se ha planteado en aquel seminario, que el diseñador en relación con otras disciplinas es un mediador, de manera que una buena formación consiste en lograr que éste aprenda a oír aquellas otras voces. Esto implica que al momento de realizar una obra de Diseño se haga necesario establecer un orden de prioridades.

¿Cómo es que jerarquizan estas prioridades? Anterior a esta pregunta aparece el cuestionamiento de la obra misma de Diseño.

En una de las reflexiones del seminario, se expuso que la obra, tanto de Arte como de Diseño, se da con el paso del no ser al ser (poiesis), es decir, se inserta en el mundo algo nuevo. El mundo es una invención y convención del hombre que crece cada vez que se da aquella poiesis. En este punto cabe preguntarse, entonces, qué diferencia una obra de Arte de una de Diseño, ¿su origen, su construcción y su fin son equivalentes? Luego, esto permitiría, en parte, dilucidar una mirada con respecto a la relación entre el Arte y el Oficio del Diseño.

En el texto ¿Por qué, Cómo y Cuándo hay Arte?, Godofredo Iommi plantea que la obra de Arte surge con la inspiración de las musas, de manera que el artista no es más que receptor de aquello (él no interviene) y el “objetivo” de la misma es, precisamente, la exposición y manifestación de las musas. Es decir, el origen de la obra de arte no se encuentra en lo humano (por lo tanto, en el mundo) sino en la divinidad. He aquí una primera diferencia con la obra de diseño, puesto que la obra de diseño responde a una necesidad del mundo. De esto se concluye que la obra de arte es, en cambio, la obra de diseño es para.

Porque la obra de diseño nace para suplir una necesidad del mundo, debe insertase en sus coordenadas y en sus convenciones. Esta es la razón por la cual el diseñador debe oír a las otras disciplinas y, en función de ello, ordenar sus prioridades en la realización del diseño.

Sin embargo, oír a las otras voces implica conocer de sus lenguajes para poder ser un verdadero mediador. Si el diseñador es aquel puente, entonces debería saber de todo, tener una noción de las otras disciplinas. Pero, ¿es posible que sepa de todo?, es más, ¿es realmente necesario que así sea?

En el texto Mantos de Gea, de Godofredo Iommi y Claudio Girola, aparecen las premisas de ojo inocente y distancia de lectura: «…lo imprescindible que es ejercitar el ojo “inocente” y que hay que partir viendo como si no se supiera lo que se está viendo… Si se ejercita el ojo “inocente” todo es cuestionable. Hay que saber olvidar o que se sabe.»

«Señalamos que hay una distancia, por la cual y en la cual se produce la lectura o viceversa, es decir, podemos pensar que porque somos “lectura” somos “distantes”»

El diseñador, al interactuar con otras disciplinas e internarse en ellas, observar realmente y, con ello, descubrir un ritmo, será capaz de caer en la cuenta de aquello que tiene que estar en el objeto diseño. Es debido a una distancia con otras disciplinas es que el diseñador debe ser capaz de leer en ellas aquello que a su oficio incumbe. Por ejemplo, en las disciplinas en las que aparezca el elemento gráfico color, el diseñador deberá estar capacitado para realizar una lectura con su ojo inocente. Es aquel ojo inocente el que permitirá al diseñador plantarse ante o internarse en las otras disciplinas con una visión¸ un punto de vista particular desde su propio oficio.

Es decir, el diseñador capaz de traspasar el borde de su oficio es el que tiene una visión, porque practica el ojo inocente. ¿Y esto se ha dado siempre en el diseño? ¿se ha generalizado este traspaso del borde del propio oficio en el último tiempo?

Durante la primera mitad del siglo XX, son los artistas los que plantean o dan cuenta de una abolición entre los géneros artísticos. Por ejemplo, Kurt Schwitters trabajó en distintos medios, soportes y con diferentes lenguajes: pintura, poesía, collage, escultura, Diseño Gráfico, tipografía y realizó las primeras instalaciones.

Esto es el caso del Arte, pero qué sucede específicamente con el Diseño Gráfico, por ejemplo.

Los avances técnicos han difuminado los límites del campo de acción del diseñador gráfico.

Si hasta la década de 1980 la modificación del color en las fotografías la realizaba el fotógrafo en el laboratorio, ahora el diseñador puede tomar la fotografía y luego modificarla con las herramientas de edición (como Photoshop). Es el avance técnico el que ha permitido al diseñador ampliar, de manera generalizada, su campo de acción.

Hasta la década de los cincuenta, las habilidades ilustrativas de un dibujante eran necesariamente requeridas por el diseñador gráfico o el director de arte, pero actualmente es posible que el propio diseñador genere la ilustración que requiere.

Desde la evolución de la técnica a lo largo de la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días, tanto la obtención de una imagen en color, su modificación y edición, hasta su posterior impresión da cabida al planteamiento de un diseñador que cumpla no sólo el rol de editor o diagramador, sino también de fotógrafo y de impresor. Con el hilo conductor de un elemento gráfico (color) y el avance en la técnica se difuminan los límites entre una parte del proceso y la siguiente: un diseñador que atraviesa el borde de su oficio convirtiéndose en un diseñador fotógrafo-ilustrador-editor-impresor.

Sin embargo, Kurt Schwitters ya había traspasado el borde de su oficio. El caso de este artista replantea la relación de Arte y Diseño, ya que si bien trabajando como artista se constituía como el órgano receptor de las musas, como diseñador debía de encontrar sus motivos en el mundo. El Arte de la pintura y el Diseño Gráfico tienen en común el lenguaje bidimensional: color, línea, forma. ¿Pero acaba allí su relación?

El Arte extiende los límites del mundo, lo hace crecer, pero no se preocupa de insertarse en él. Aun, ese extender los límites da cuenta de que trata de escapar del mismo, de escapar de la invención- convención conocida. En cambio, el diseño es “considerado” con el mundo, trata de acercar sus convenciones a los límites que extiende el Arte. Se planteará que el Diseño es una especie de intermedio (mediador) entre el Arte (lo que abre al desconocido) y las convenciones del mundo (lo conocido). ¿Es posible que la creación de un objeto, una obra, responda a las no-razones de la musa y a las razones del mundo?

Godofredo Iommi en el texto Hay que ser absolutamente moderno, explica el antes y el después del Arte. El Arte antiguo se construía a partir de las leyes de la armonía, y el arte moderno irrumpe dando paso a la construcción asomándose al abismo de lo desconocido. Así, mientras el Arte se maneja totalmente con el desconocido, el Diseño plantea la construcción que se mueve entre lo conocido (“armonía”) y el desconocido. He aquí otra razón por la que el diseñador es mediador. Al poseer conocimiento de las otras disciplinas podrá saber qué es lo que a ellas se les puede pedir desde el diseño. Además, mientras más lenguajes y elementos de construcción del espacio bidimensional y tridimensional conozca el diseñador, mayor será el campo de aplicación o de intervención en el que podrá moverse.

Ahora, cabe preguntarse, si existe un límite en el campo de acción del diseñador, ¿hasta qué punto lejano del borde de su oficio debería llegar?

Los textos:

▪Mantos de Gea

▪Hay que ser absolutamente Moderno

▪¿Por qué, Cómo y Cuándo hay Arte?

están disponibles en: http://www.amereida.ucv.cl/pag_cont/cont_tf/oficio.html

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Un comentario en “Reflexión sobre seminario Arte y Oficio

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